Honkytonk Man

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Regie: Clint Eastwood

Reise nach Nashville...

Einer der weniger bekannten Filme von Clint Eastwood ist das 1982 entstandene tragische Musikerportrait "Honkytonk Man" aus dem Jahr 1982. Eastwoods damalige Lebensgefährtin Sondra Locke (1944 bis 2018) hat ihn bei der Rolle des Country Sängers Red Stovall unterstützt - er spielte selbst Gitarren und sang die Filmsongs. James Stewart war die erste Wahl für die Rolle des Grandpa Wagoneer, doch er lehnte ab. So bekam John McInitre diese Nebenrolle.  Dieser etwas schrullige aber ungeheuer sympathische Musical-Western, der während der Großen Depression spielt, basiert auf dem Roman von Clancy Carlile, der auch das Drehbuch zum Film schrieb.  Es war auch zugleich Marty Robbins' letzter Auftritt vor seinem Tod. Die Geschichte von Clints Figur Red Stovall basiert lose auf dem Leben von Jimmie Rodgers. Der umherziehende Westernsänger Red Stovall (Clint Eastwood) leidet an Tuberkulose, erhält aber die Chance, in der Grand Ole Opry in Nashville, Tennessee aufzutreten und möglicherweise groß rauszukommen. Er wird von seinem jungen Neffen Whit (Kyle Eastwood) begleitet, obwohl dessen Eltern (Verna Bloom, Matt Clark) nicht sicher sind, ob die Erlaubnis den Onkel zu begleiten eine gute Idee ist. Nach einer Reihe von Abenteuern, darunter einer Begegnung mit einem Schuldner von Red (Barry Corbin), einer weiteren jungen Mitreisenden (Alexa Kenin) dem ersten sexuellen Erlebnis des Neffen in einem Bordell, kommen sie endlich an. Ein Hustenanfall beim Vorsingen ruiniert zwar seine Chancen, doch die Talentsucher einer Plattenfirma sind so beeindruckt, dass sie eine Aufnahmesession vereinbaren, als ihnen klar wird, dass er nur noch wenige Tage zu leben hat. Mitten in dieser Session erreicht die Tuberkulose ein kritisches Stadium, und Reds Text wird von Smokey, einem Nebengitarristen (Countrysänger Marty Robbins), übernommen. Red erliegt schließlich der Krankheit, während Whit schwört, die Geschichte seines Onkels zu erzählen. Reds alter Lincoln Model K Tourenwagen, der im ganzen Film präsent ist, "stirbt“ schließlich auf dem Friedhof, auf dem Red seine letzte Ruhe findet...

 "Honkytonk Man" ist einer dieser Eastwood Filme, die eine Herzensangelegenheit des Filmstars waren. Der Film erhielt auch viel Lob, obwohl das Tempo langsam ist und sehr ländlich... allerdings sind die Darstellerleistung von Eastwood und Sohn so gut, dass viele Momente des Film sehr berührend sind. Dass sie keineswegs alle perfekt sind, macht die Geschichte nur noch authentischer. An den Kinokassen der USA und Kanada spielte der Film 4,5 Millionen US-Dollar ein, Eastwoods niedrigster Einspielerfolg seit über einem Jahrzehnt. Der Film wurde für „No Sweeter Cheater than You“ für die Goldene Himbeere als schlechtester Originalsong nominiert. Dennoch lohnt sich eine Entdeckung mit diesem Film. Für mich einer der überzeugendsten Film des Regisseurs Clint Eastwood. 

Bewertung: 8,5 von 10 Punkten.

New York; New York

 

Regie: Martin Scorsese

Zwischen Kunst und Kommerz...

Der ungarische Kameramann Laszlo Kovaks wurde für viele Hollywood-Klassiker engagiert, wie beispielsweise "Easy Rider", "Bewegliche Ziele", "Paper Moon" "Five Easy Pieces", "Shampoo", "Frances", "Ghostbusters" oder "Copy Kill". Für Martin Scorseses Romantik-Musikfilm "New York, New York" lieferte er die wunderbare Optik im Film Noir Style. Fred Ebb und John Kander schrieben die Musik. Vor allem der Titelsong "New York, New York" wurde zum absoluten Klassiker und zum Highlight als eines der schönsten Filmsongs überhaupt. Noch erfolgreicher als Liza Minellis Original, das sie auf dem Höhepunkt des Films singt, wurde die Version von Frank Sinatra, die er zwei Jahre später in sein Repertoire aufnahm. Da "New York, New York" beim Umsatz unter den Erwartungen blieb (er spielte damals bei einem Budget von 9 Millionen Dollar nur 17 Millionen Dollar ein, was für die Producer natürlich eine Enttäuschung war) ignorierte ihn die Academy bei der Oscarvergabe total. Immerhin konnte Scorseses dunkle Hommage an die Frühzeit der Jazzmusik vier Golden Globe Nominierungen erhalten: Für den besten Song, als bester Film und für beide Hauptdarsteller Liza Minelli und Robert de Niro. Am 14. Juni 1980 erreichte die Single in der Version von Sinatra Platz 32 der Billboard Hot 100 und es war Sinatras letzter Top-40-Hit. Sowohl Sinatras als auch Minnellis Versionen sind eng mit Manhattan in New York City verbunden. Sinatra spielte die Nummer bis zu seinem Rücktritt 1995 bei fast allen seinen Konzerten, und Minnelli spielt sie weiterhin bei fast allen ihren Konzerten. Am V-J Day 1945 (Sieg über Japan) findet in einem New Yorker Nachtclub eine Feier statt, die vom Tommy Dorsey Orchestra musikalisch begleitet wird. Dort trifft der egoistische und gesprächige Tenorsaxophonist Jimmy Doyle (Robert de Niro) die unbedeutende Truppenbetreuungssängerin Francine Evans (Liza Minelli). Obwohl einsam, will sie nichts mit dem aufdringlichen und extrovertierten Jimmy zu tun haben, der sie nach ihrer Telefonnummer fragt. Am nächsten Morgen teilen sie sich ein Taxi, und gegen ihren Willen begleitet Francine Jimmy zu einem Vorsingen, bei dem er mit dem Clubbesitzer streitet. Um das Vorsingen wieder in Gang zu bringen, beginnt Francine den alten Klassiker "You Brought a New Kind of Love to Me“. Jimmy stimmt auf seinem Saxophon ein. Der Clubbesitzer ist beeindruckt, und zu Francines Erstaunen wird beiden ein Job als reisende Sängerin angeboten. Von diesem Moment an vertieft sich die Beziehung zwischen Jimmy und Francine zu einer Mischung aus Besessenheit und Liebe. Doch es gibt Probleme – vor allem Jimmys Neigung, sich mit seinen Kollegen zu streiten, sein übertrieben dramatisches Verhalten und seine zunehmend heftigen Auseinandersetzungen mit Francine, die schwanger wird. Ein besonders heftiger Streit zwischen den beiden führt dazu, dass bei Francine die Wehen einsetzen. Jimmy bringt sie eilig ins Krankenhaus, wo sie einen Jungen zur Welt bringt. Jimmy ist jedoch weder bereit, Vater noch ein guter Ehemann zu sein, und verlässt seine Frau. Er weigert sich, seinen neugeborenen Sohn zu sehen, als er das Krankenhaus verlässt. Einige Jahre später nimmt Francine in einem Aufnahmestudio "But the World Goes Round“ auf, eine kraftvolle Hymne, die in die Charts klettert und ihr zu einer beliebten Unterhaltungsfigur verhilft. In den folgenden Jahren sind Jimmy und Francine beide in der Musikbranche erfolgreich; er wird ein renommierter Jazzmusiker und Clubbesitzer, sie eine erfolgreiche Sängerin und Filmschauspielerin. Jimmy nimmt einen selbstgeschriebenen Song auf seinem Saxophon auf, der die Jazzcharts anführt, und Francine festigt ihren Ruhm mit dem Lied "New York, New York“, für das sie den Text beigesteuert hat. Ihr Auftritt, der von einem begeisterten Publikum gefeiert wird, findet in demselben Nachtclub statt, in dem sie und Jimmy sich Jahre zuvor kennengelernt hatten. Nach der Show ruft Jimmy seine Ex-Frau an und schlägt ein gemeinsames Abendessen vor. Francine ist versucht und geht zum Bühnenausgang, überlegt es sich aber im letzten Moment anders. Jimmy wartet auf dem Bürgersteig, merkt, dass er versetzt wurde und geht die Straße entlang...

Traurig, nicht wahr ? Es ist eine Lovestory zweier Künstler mit Höhen und Tiefen, die aber schließlich auseinandergeht. Für Scorsese war es ein Projekt, mit dem er den düsteren Realismus verlassen wollte, für den er so berühmt geworden war. Deshalb auch die künstlichen Kulissen, Martin Scorseses technische Virtuosität und Liza Minellis magnetische Präsenz kommen in  diesem Film jedoch voll zur Geltung, auch wenn die Mischung aus schmachtendem Stil und knallhartem Realismus dieses ambitionierten Musicals ungewöhnlich ist. Wenn man ihn im Vergleich zu den vorherrschenden Filmthemen der progressiven 70er sieht, dann kann man vielleicht sogar von einem letzten Ausbruch aus dem alten Hollywood sprechen.

Bewertung: 8,5 von 10 Punkten. 

 

I´m not there

 

Regie: Todd Haynes

Sechs Mal Bob Dylan...

Regisseur Todd Haynes hat sich vor allem mit den beiden Douglas Sirk Hommagen "Dem Himmel so fern" und "Carol" einen internationalen Namen gemacht. Sein erster Langfilm "Poison" brachte ihm den Großen Preis der Jury beim Sundance Film Festival, er wurde damit zu einem wichtigen Wegbereiter des New Queer Cinema. Mit der für ihn ungewöhnlichen fiktiven Bob Dylan Biografie "I´m not there" gewann er 2007 den Großen Preis der Jury bei den Filmfestspielen in Venedig. Cate Blanchett, die ebenfalls in die Rolle des legendären Singer-Songwriter und Lyriker schlüpft, gewann später den Golden Globe und bekam auch eine Oscar-Nominierung.  "I'm Not There“ verwendet eine nichtlineare Erzählweise und wechselt zwischen sechs Charakteren in separaten Handlungssträngen, inspiriert von der Musik und den vielen Leben Bob Dylans. Jeder Charakter repräsentiert eine andere Facette von Dylans öffentlichem Image: Dichter (Arthur Rimbaud), Prophet (Jack Rollins/Father John), Gesetzloser (Billy McCarty), Betrüger (Woody Guthrie), „Rock-’n’-Roll-Märtyrer“ (Jude Quinn) und „Star der Elektrizität“ (Robbie Clark). Produktionsnotizen des Verleihs The Weinstein Company erklären, dass der Film „das Leben und die Musik Bob Dylans als eine Reihe wechselnder Persönlichkeiten dramatisiert, die jeweils von einem anderen Schauspieler verkörpert werden – Dichter, Prophet, Gesetzloser, Betrüger, Star der Elektrizität, Rock-’n’-Roll-Märtyrer, wiedergeborener Christ – sechs Identitäten, die miteinander verwoben sind, sechs Organe, die durch eine Lebensgeschichte pumpen. Arthur Rimbaud, gespielt von Ben Whishaw:  Der 19-jährige Arthur Rimbaud wird von Vernehmern verhört. Seine kryptischen Antworten ziehen sich durch den gesamten Film, darunter Bemerkungen über Fatalismus, das Wesen von Dichtern, "sieben einfache Regeln für das Leben im Verborgenen“ und Chaos. Woody Guthrie, gespielt von Marcus Carl Frankling:  1959 reist ein elfjähriger Afroamerikaner namens Woody Guthrie mit Güterzügen durch den Mittleren Westen der USA. Mit einer Gitarre in einem Koffer mit dem Slogan "Diese Maschine tötet Faschisten“, spielt er Blues und singt über Themen wie Gewerkschaftsbewegung. Ein Teil eines Gesprächs zwischen Woody und zwei Landstreichern auf einem Güterzug über sein Leben in einer Stadt namens "Riddle“ ist direkt aus einem anderen Film, Ein Gesicht in der Menge“ (1957), übernommen. Als er kurz von einer afroamerikanischen Familie aufgenommen wird, rät ihm die Mutter, stattdessen über die Probleme seiner Zeit zu singen. In einem anderen Güterwagen wacht Woody auf, wird von anderen Landstreichern bedroht und fällt nach einer Schlägerei vom Zug in einen Fluss. Er ertrinkt beinahe, wird aber von einem weißen Paar gerettet, das ihn aufnimmt. Sie sind von seinem musikalischen Talent beeindruckt, doch Woody flüchtet, als sie einen Anruf aus einer Jugendstrafanstalt in Minnesota erhalten, in dem ihnen mitgeteilt wird, er sei ein entflohener Flüchtling. Als der Junge erfährt, dass der echte Woody Guthrie todkrank ist, reist er nach New Jersey, um Guthrie im Krankenhaus zu besuchen. Jack Rollins/Father John, gespielt von Christian Bale:  Die Karriere des Folkmusikers Jack Rollins wird als Dokumentarfilm inszeniert, erzählt von Interviewpartnern, darunter auch der Folksängerin Alice Fabian. Jack wird Anfang der 1960er Jahre zum Star der Folkszene von Greenwich Village und von seinen Fans für seine Protestlieder gelobt. Er unterschreibt bei Columbia Records, doch 1963, als der Vietnamkrieg eskaliert, hört er auf, Protestlieder zu singen und wendet sich von der Folkmusik ab, da er glaubt, dass beides keinen echten sozialen oder politischen Wandel bewirkt. Nach der Ermordung John F. Kennedys betrinkt sich Jack bei einer Zeremonie, bei der er eine Auszeichnung einer Bürgerrechtsorganisation entgegennimmt. Als er in seiner Dankesrede bemerkte, er habe in Kennedys Mörder Lee Harvey Oswald etwas von sich selbst gesehen, wurde er vom Publikum ausgebuht und verspottet. Er tauchte unter und begann 1974 einen Bibelstudienkurs in Stockton, Kalifornien. Er trat als wiedergeborener Christ hervor, brach seine Vergangenheit ab und wurde ordinierter Pfarrer, der unter dem Namen „Father John“ Gospelmusik aufführte. Robbie Clark Robbie Clark, gespielt von Heath Ledger: Ein 22-jähriger Schauspieler, der 1965 in dem biografischen Film "Grain of Sand“ den Jack Rollins spielt. Während der Dreharbeiten in Greenwich Village im Januar 1964 verliebt er sich in die französische Künstlerin Claire (Charlotte Gainsbourg), und sie heirateten bald. „Grain of Sand“ wird ein Hit und Robbie wurde zum Star. Doch ihre Beziehung gerät ins Wanken, und Claire beobachtet, wie Robbie mit anderen Frauen flirtet. Besonders empört ist sie, als er 1968 während eines Streits darüber, ob das Böse in der Welt zu ändern sei, die Meinung vertritt, Frauen könnten niemals Dichterinnen sein. Schließlich zieht Robbie aus dem gemeinsamen Haus aus und geht für vier Monate nach London, um einen Thriller zu drehen. Dort beginnt er eine Affäre mit seiner Filmpartnerin. Richard Nixons Ankündigung des Pariser Friedensabkommens im Januar 1973 veranlasst Claire dazu, die Scheidung einzureichen. Sie erhält das Sorgerecht für ihre beiden Töchter, erlaubt Robbie aber, mit ihnen eine Bootsfahrt zu unternehmen. Jude Quinn Jude Quinn, gespielt von Cate Blanchett ist ein beliebter ehemaliger Folksänger, dessen Auftritt mit einer kompletten Band und E-Gitarren bei einem Jazz- und Folkfestival in New England seine Fans empört und sie des Verrats bezichtigt. Auf seiner Reise nach London wird Jude vom Journalisten Keenan Jones gefragt, ob er desillusioniert sei oder glaube, dass die Folkmusik ihre Ziele des gesellschaftspolitischen Wandels nicht erreicht habe. Jude wird von einem Hotelangestellten angegriffen, hängt mit den Beatles herum, trifft seine ehemalige Geliebte Coco Rivington und den Dichter Allen Ginsberg, der behauptet, Jude habe sich "an Gott verkauft“. Im Interview mit Jude bemerkt Keenan, dass Judes Lieder von der Black Panther Party als Rekrutierungsinstrument genutzt werden. Er meint, Jude weigere sich, tiefe Gefühle zu entwickeln und sei gleichzeitig sehr verlegen. Jude ist beleidigt und verlässt das Interview. Bei einem Konzert mit "Ballad of a Thin Man“ wird Jude vom Publikum ausgebuht und als Judas“ beschimpft. Keenan enthüllt im Fernsehen, dass J trotz seiner Behauptungen einer turbulenten Vagabundenvergangenheit Jude ist in Wirklichkeit Aaron Jacob Edelstein, der gebildete Sohn eines Kaufhausbesitzers aus der Vorstadt, der Mittelschicht, aus Brookline, Massachusetts. Angesichts einer langen Reihe anstehender Europatourneen gerät Jude in den Drogenkonsum und kommt offenbar bei einem Motorradunfall ums Leben. Billy McCarty Der Gesetzlose Billy McCarty, gespielt von Richard Gere: vermutlich von Pat Garrett getötet, lebt versteckt und einsam in einer Hütte außerhalb des ländlichen Riddle, Missouri, einer surrealen Stadt, auf die im Woody-Guthrie-Abschnitt Bezug genommen wird. Als Billy erfährt, dass Commissioner Garrett die Stadt abreißen will, um eine Autobahn zu bauen, was mehrere Einwohner in den Selbstmord getrieben hat, fährt er ins Stadtzentrum und stellt Garrett zur Rede, der versucht, die Einwohner zu beschwichtigen. Garrett erkennt Billy, kann ihn aber nicht als den Gesetzlosen Billy the Kid einordnen. Als die Einwohner mit einem Aufstand drohen, wird Billy wegen Unruhestiftung ins Gefängnis geworfen. Sein Freund Homer befreit ihn aus seiner Gewalt und springt in einen Güterwagen eines vorbeifahrenden Zuges, wo er Woodys Gitarre findet. Während er davonfährt, äußert er sich zum Wesen von Freiheit und Identität. Der Film endet mit Aufnahmen von Dylan, der 1966 bei einem Live-Auftritt ein Mundharmonika-Solo spielt...

Irgendwie verwirrend, vor allem wenn man sich mit dem Leben von Bob Dylan nie beschäftigt hat. Der Film lebt von den visuellen Einfällen, die Schauspieler sind alle sehr engagiert bei der Sache.  Vor allem Cate Blanchetts Leistung ist ein aussergewöhnlich, und das nicht nur, weil sie als Jude Quinn den nervösen, amphetaminberauschten Dylan der Jahre 1965–1966 mit beunruhigender Genauigkeit verkörpert. Die Besetzung einer Frau in dieser Rolle offenbart eine Dimension des bissigen Dylan dieser Ära, die selten wahrgenommen wurde .Blanchetts durchscheinende Haut, ihre zarten Finger, ihre schlanke Statur und ihre flehenden Augen deuten auf die zuvor unsichtbare Verletzlichkeit und Angst hin, die Dylans stechende Wut anheizten.Für Hardcore Fans von Dylan ist der Film sicherlich eine Offenbarung und auch ein Mysterium, wie der Künstler selbst. Allerdings befürchte ich eine mangelnde Zugänglichkeit für die breite Öffentlichkeit - ich hatte Mühe mit der sicherlich künstlerisch gut gemachten filmischen Collage. 

Bewertung: 7 von 10 Punkten.